#Dibujo tradicional pintado en digital

[ask-ljackxjeff]

Para jeff: tuviste alguna pareja antes de jack?

Anon ask: To Jeff: Did you have any partners before Jack?

[ohnoooo0]

Vengo a hacer una pequeña observación a su arte UwU es algo echo a mi punto de vista, espero no ofenderla jaja x'3 Realmente adoro como dibuja y pinta a tradicional!!~ también en digital en todo lo que eh visto lo hace muy bien UwU aunque si en la forma de pintar le falta un poco pero no soy quien para decirle eso x"3 Pinta mucho mejor que yo la verdad, adoro su arte y admiro su forma de dibujar UwU. Tenga un buen fin e inicio de año! >:3 pasela chido uwu

Ayyy muchas gracias :"D se que no dibujo del todo perfecto pero estoy bien y obvio que voy a mejorar, para eso dibujo u3u♡

Además suelo kagarla en el pintado regularmente unu y pues, yo no soy una persona paciente y creo que se nota en mis dibujos xD

Y también muchas gracias por su sutil crítica u3u, enserio necesito a más personitas hermosas como tu en mi vida<3 y no me vendiste para nada, más bien al contrario! Me abres más la visión para mejorar u3u♡♡♡

FELIZ AÑO NUEVO PARA USTED TAMBIEN♡♡ QUE SE LA PASE LINDO, LOGRE SUS PROPOSITOS Y METAS Y QUE SE ACABE DE UNA MALDITA VEZ LA J0DIDA CUARENTEN4444

[mujeresartistaseag-blog]

MUJERES ARTISTAS DEL ART NOUVEAU, MODERNISMO Y ART NAIF

ART NOUVEAU

La historiografía ha condenado a las mujeres artistas del Art Noveau a un doble olvido: por el hecho de ser artistas del Art Nouveau, un estilo que durante décadas no ha sido valorado, y por el hecho, una vez más, de ser mujeres. Y si bien es cierto que en la sociedad del período Art Nouveau existía una gran discriminación de género que no ofrecía un entorno de igualdad que permitiese a las mujeres triunfar en el ámbito tradicionalmente “masculino” de las bellas artes, también es cierto que nuestra sociedad no comparte esa visión y que el estudio y la comunicación de la historia del arte del Siglo XXI tiene el deber de compensar esa discriminación.

Gerda Wegener, registrada al nacer con el nombre Gerda Marie Fredrikke Gottlieb (Hammelev, 15 de marzo de 1885 (quizá 1889) - Frederiksberg, 28 de julio de 1940), fue una pintora, ilustradora e ilustradora erótica danesa.

Tras vivir en provincias, se fue a Copenhague para inscribirse en la Academia de Bellas Artes. Allí mismo se casó en 1904 con el artista Einar Wegener.

En París, conoció un gran éxito como pintora e ilustradora de publicaciones como Vogue, La Vie Parisienne o Fantasio. Especialmente polémicas y admiradas fueron las doce acuarelas de contenido erótico y lésbico que pintó en 1925 para el libro Doce sonetos Lascivos de Louis Pearceau.1 De vuelta a su país, comenzó a cosechar gran reconocimiento gracias a su éxito parisino, y expuso en la Galería Ole Haslunds de Copenhague en varias ocasiones. Su carrera estaba bien edificada en un talento sobresaliente y alimentada por las peculiaridades de su matrimonio.

Gerda, que para muchos era una artista con más talento que su pareja, dejó aparcada su carrera para ayudarla, convirtiéndola en su modelo femenina favorita. Acompañó y apoyó a Lili en su transición, cuya operación fue la primera de un personaje público en 1930. El rey de Dinamarca declaró su matrimonio nulo en octubre de 1930.

En 1931, Gerda se casó con el oficial italiano Fernando Porta (1896-), con quien se mudó a Marruecos, donde intentó seguir con su carrera en vano. Finalmente se divorciaron en 1936, y la artista regresó a Dinamarca en 1938. Expuso por última vez en 1939, ya sin mucho éxito, y murió en julio de 1940.

En 2015 se estrenó un film sobre el caso, La chica danesa, dirigido por Tom Hooper y protagonizado por Eddie Redmayne en el que Alicia Vikander interpreta a Gerda. Por su interpretación impecable de la artista, Vikander ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto.

Libros ilustrados por Wegener[editar]

Le Livre des Vikings de Charles Guyot (1920 ou 1924)

Douze sonnettes lascifs de Louis Pearceau (1925)

Une Aventure d'Amour à Venise de Giacomo Casanova. Le Livre du Bibliophile. Georges Briffaut. Collection Le Livre du Bibliophile. Paris. 1927.

Les Contes de La Fontaine (1928-1929).

Contes de mon Père le Jars & Sur Talons rouges de Eric Allatini (1929)

Fortunio de Théophile Gautier (1934)

Margaret Macdonald, de casada Margaret Macdonald Mackintosh (Tipton, Staffordshire, 5 de noviembre de 1864-Chelsea, 7 de enero de 1933) fue una pintora, ilustradora y decoradora británica perteneciente a la Escuela de Glasgow, un grupo artístico cercano al modernismo y simbolismo. Los otros miembros destacados del grupo fueron su marido, Charles Rennie Mackintosh, su hermana Frances Macdonald y el marido de esta, Herbert MacNair, también conocidos como The Four (Los Cuatro). Esta escuela destacó especialmente en arquitectura y artes decorativas, y situó la ciudad escocesa de Glasgow como uno de los epicentros del modernismo internacional —también conocido como Art Nouveau en Francia o Modern Style en Reino Unido

Hija de un ingeniero que dirigía una mina de carbón, estudió con su hermana Frances en la Orme Girls' School de Newcastle-under-Lyme. En 1890 su familia se estableció en Glasgow y las hermanas entraron a estudiar artes decorativas en la Escuela de arte de Glasgow.1 En 1896 crearon la empresa de decoración Macdonald Sisters Studio en 128 Hope Street, Glasgow. En 1900 casó con el arquitecto Charles Rennie Mackintosh, con el pasó a colaborar en estrecha relación, además de con su hermana y el marido de esta, Herbert MacNair, que formaron el núcleo de la llamada Escuela de Glasgow.

El grupo se dio a conocer en la Exposición de Artes y Oficios de Londres de 1896. Su objetivo principal era la obra de arte total, para lo que diseñaban con esmero hasta el último detalle de sus obras, desde el diseño arquitectónico hasta la decoración y todos los elementos presentes en sus construcciones (mobilario, papales pintados, vidrios, metalistería, objetos decorativos, etc.). Cada objeto forma parte de un conjunto planificado, fuera del cual pierde sentido.2

Margaret se dedicó especialmente a la decoración de interiores, como en sus famosas decoraciones para varios salones de té de Glasgow, como la Willow Tea Room (1903). Su estilo decorativo era lírico y estilizado, con tendencia a la fantasía y preferencia por las formas redondas, en el que destacan los elementos vegetales —principalmente brotes y pimpollos de rosa— y unas etéreas figuras femeninas de influencia prerrafaelita.3 Por otro lado, en algunos de sus diseños se halla un simbolismo de tendencia abstractizante que denota la influencia de Jan Toorop.4 Otras influencias fueron los modernistas ingleses Aubrey Beardsley y Charles Francis Annesley Voysey, cuya obra conocieron a través de la revista The Studio, así como el arte celta tradicional.5

Utilizó preferentemente la acuarela, con un acabado parecido al esmalte, y trabajó a menudo con incrustaciones en madera, gessos, cloisonnés y repujados en oro y plata. También diseñó mosaicos, vidrieras y bordados.

Pese a su maestría e innovación artística, apenas se habla de las mujeres visionarias del mundo del arte moderno en las corrientes históricas principales.

«Cuando observas la forma en que se ha escrito la mayor parte de la historia del arte [de la época modernista], si se menciona a estas mujeres, se mencionan de pasada», afirma Deborah Gaston, directora de educación y compromiso digital en el Museo Nacional de Mujeres Artistas. «Muchas también se relacionaron con otros artistas que forman parte de ese círculo. Continúa la narrativa de ellas como seguidoras en lugar de innovadoras creativas por derecho propio».

Estas son seis mujeres ignoradas que han tenido un impacto importante en la escena del arte moderno.

Sonia Delaunay: la madre del orfismo

Nacida en Ucrania el 14 de noviembre de 1885, Sara Élievna Stern creció usando el nombre de «Sonia». Delaunay estudió arte en Alemania y Francia, donde más tarde se casó con el marchante Wilhelm Uhde en París. Esta unión evitó que su familia la obligara a volver a casa y también sirvió de tapadera de la homosexualidad de Uhde.

Además de su educación artística tradicional, Delaunay fue una gran fuerza en el mundo de las artes decorativas, con un talento especial para las telas y el diseño de interiores. Tras su divorcio amistoso de Uhde y su matrimonio con el pintor francés Robert Delaunay en noviembre de 1910, los Delaunay impulsaron el orfismo, una variante abstracta y vibrante del cubismo y del arte futurista.

«Siempre cambiaba todo lo que me rodeaba», decía Delaunay. «Hice que mis primeras paredes fueran blancas para que nuestros cuadros tuvieran un mejor aspecto. Diseñé mis muebles; lo he hecho todo. He vivido mi arte».

En 1964, Sonia Delaunay se convirtió en la primera mujer artista viva que tuvo una exposición en retrospectiva en el Louvre en París.

Marie Laurencin nació en París el 31 de octubre de 1883. La crió su madre y estudió arte con Georges Braque, que contribuiría al desarrollo del movimiento cubista.

Laurencin creó cuadros, acuarelas, dibujos y grabados. Es una de las pocas pintoras cubistas, junto con Delaunay, y desarrolló un enfoque único de la abstracción. Los tonos pastel y las figuras esbeltas en sus obras les dan una estética femenina. Pintó retratos de celebridades parisinas, incluyó animales en sus cuadros y produjo escenarios de teatro.

En 1983, se inauguró el Musée Marie Laurencin en Japón, convirtiéndose en el único museo de arte especializado del mundo centrado en una mujer artista. El museo alberga más de 600 obras de Laurencin en su archivo.

Aleksandra Exter: la rebelde de la escuela de arte

Aleksandra Exter, también conocida como Aleksandra Aleksandrovna Ekster, nació en Białystok, Polonia, en el seno de una familia bielorrusa acomodada el 6 de enero de 1882. En el transcurso de su educación privada estudió idiomas, música y arte y finalmente adquirió fama internacional en el panorama artístico europeo.

En la Escuela de Arte de Kiev, Exter se mezcló con otros artistas que reaparecerían en la vanguardia rusa. En 1908, se casó con un abogado de Kiev y ambos se convirtieron en destacados personajes culturales e intelectuales. Se mudaron a París, donde Exter estudió una temporada en la Académie de la Grande-Chaumière hasta que la expulsaron por rebelarse contra la visión artística de la institución.

El estilo de Exter se hizo cada vez más radical y vanguardista con el tiempo. Pasó por el impresionismo, el cubismo, el cubofuturismo y el arte no objetivo con pinturas abstractas de paisajes, formas geométricas y bodegones. Su obra es dinámica y, además de sus exposiciones, la artista de múltiples talentos destacó en su trabajo escénico e ilustraciones de libros.

Sophie Taeuber-Arp: la visionaria sin fronteras

Sophie Henriette Gertrude Taeuber nació en Davos, Suiza, el 19 de enero de 1889. Estudió dibujo en la Escuela de Artes Aplicadas en Saint Gallen y, a continuación, diseño textil en Alemania. También aprendió a tejer, a hacer artesanía con cuentas y a bailar.

Taeuber-Arp fue influyente en el Café Voltaire de Zúrich y en 1928 se mudó a la zona de París. Su obra como pintora, escultora y arquitecta —por no mencionar como consumada diseñadora de muebles y de interiores— seccionó las fronteras entre los diferentes géneros de arte.

Adoptó el modernismo y el dadaísmo, e incluso creó disfraces y marionetas para actuaciones dadá. Colaboró con otros artistas como su marido Hans para producir espectáculos, coreografías, textos y obras de arte.

Como guiño al legado de Taeuber-Arp, el gobierno suizo rediseñó el billete de 50 francos en 1995 para incluir su retrato.

Natalia Goncharova: la innovadora experimental

El 21 de junio de 1881, Natalia Goncharova nació en una familia de la élite de Nagaevo, Rusia. Empezó sus estudios en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú en 1901, inspirándose en los impresionistas, en especial en Auguste Rodin.

Como pintora, la obra de Goncharova tiene notas de la mezcla de lo sagrado y lo profano. Parte de su arte incluye a trabajadores rurales rusos realizando tareas cotidianas repetitivas, pero su estilo tradicional se presta a la interpretación religiosa. La formación formal en arte de Goncharova acabó en 1909 cuando la expulsaron del Instituto de Moscú por no haber pagado la matrícula.

Goncharova también trabajó en el sector textil y, con su marido y también artista Mikhail Larionov, exploró los estilos vanguardistas rusos que llevarían a futuros movimientos artísticos. Las obras de Goncharova en el rayonismo y el futurismo influyeron a sus contemporáneos rusos y fueron cruciales para guiar la abstracción futura.

Tarsila do Amaral: la revolucionaria con raíces

Do Amaral, a la que suelen conocer como Tarsila, nació el 1 de septiembre de 1886 en Capivari, Brasil, en el seno de una familia acomodada de productores de café. La familia de Tarsila apoyó sus propósitos educativos, animándola a que asistiera a la escuela en Barcelona, donde empezó a interesarse por el arte.

Tarsila comenzó su educación formal en arte en 1916, estudiando escultura, dibujo y pintura, pero el conservador mundo del arte brasileño y la falta de recursos creativos limitó su exposición. Los viajes a París la ayudaron a ampliar sus horizontes artísticos y finalmente se integró en el Grupo dos Cinco, un movimiento de artistas que promovían activamente la cultura brasileña sin emplear estilos tradicionales europeos.

«Quiero ser la pintora de mi país», escribió Tarsila en 1923. Su estilo de mezclar iconos locales brasileños con estética vanguardista ayudó a configurar el arte moderno de Brasil, y su legado perdura hasta la actualidad.

ART NAIF

María del Carmen Mondragón Valseca (Nahui Olin) nació en Tacubaya (México) en 1893, en el seno de una familia perteneciente a la burguesía mexicana, debido al trabajo del padre,  trasladaron su residencia a París cuando la niña apenas contaba cuatro años. En Francia Carmen permaneció en un internado donde recibió formación en danza clásica, pintura, literatura y teatro,a los diez años, ya destacaba por su innata sensibilidad para escribir, especialmente poesía.

A su vuelta a Ciudad de México se casó con Manuel Rodríguez Lozano, pero poco tiempo después, debido a la irrupción de la Revolución Mexicana, la pareja se instaló nuevamente en París uniéndose al grupo de artistas que en aquellos momentos encabezaban el movimiento de las primeras vanguardista como Diego Rivera, Georges Braque, Henri Matisse y Pablo Picasso. Al estallar la Primera Guerra Mundial Carmen y Manuel se refugiaron en San Sebastián, donde se cree nació su único hijo, que al parecer murió por asfixia. Desde la muerte del niño la relación entre ambos se fue deteriorando y Carmen regresó sola a su país natal, donde se sumergió completamente en la vida artística compartiendo largas veladas bohemias junto a Dolores del Río, Antonieta Rivas Mercado, Frida Kahlo, Tina Modotti, María Izquierdo, José Vasconcelos, David Alfaro Siqueiros, Xavier Villaurrutia, Guadalupe Marín, Tereza Montoya, José Clemente Orozco, Lupe Vélez y Salvador Novo.

En 1921 se separó de Manuel después de descubrir la homosexualidad de su marido, mientras ella destacaba por sus ideas avanzadas y su actitud que algunos tachaban de provocadora.

Apoteosis del General Mondragón

Su belleza fascinó al artista plástico Gerardo Murillo, más conocido como Doctor Atl, con quien sostuvo una relación amorosa intensa y enfermiza que duró casi cinco años y de la que se conservan más de 200 cartas escritas por ella. Atl la bautizó como Nahui Olin, que según el artista significa “Renovación continua del Universo”. Este período fue el más fructífero en la producción poética y pictórica en la vida de la artista, con su siempre personalísimo estilo naif.

Como modelo, su figura se encuentra ámpliamente representada, tanto en fotografía como en obra pictórica, concrétamente en “La creación” de Diego Rivera,  aparece como Erato, la musa de la poesía erótica, también posó para Jean Charlot y sus desnudos en las fotografías de Edward Weston y Antonio Garduño.

“Me retraté desnuda porque tenía un cuerpo tan bello que no iba a negarle a la humanidad su derecho a contemplar esta obra”

Mondragón formó parte del grupo de mujeres que durante las décadas de 1920 y 1930 produjo uno de los períodos más activos de la cultura y el arte en México, y a las que Elena Poniatowska bautizó como “Las siete cabritas” y en 1935 fundó la Liga Feminista de Lucha contra las Toxicomanías, que buscaba erradicar los vicios que, a su juicio, no permitían el progreso del país; con ella pronto se unió a otros grupos que buscarían el voto femenino, la igualdad de derechos frente a los hombres, acceso al trabajo con apoyos a la maternidad, derecho a poseer tierras, la integración de las mujeres indígenas y el acceso a la educación para todas las mujeres.

Tras terminar su relación con el Doctor Atl, Mondragón conoció al caricaturista Matías Santoyo, con quien viajó a Hollywood. Allí el director Rex Ingram le ofreció aparecer en una película, Carmen no la aceptó por manifestarse contraria a explotar su imagen como símbolo sexual.

Nahui y Agacino frente a la isla de Manhattan

A los cuarenta años conoció al capitán Eugenio Agacino, quien aparece en algunos de sus cuadros, ambos vivieron una relación tan intensa que a la muerte de Eugenio se retiró de la vida pública, optó por una soledad que derivó en locura; vivió con decenas de gatos y deambulando confusa, deshecha, demente, sucia, obesa y en estado de pobreza extrema, cayó para no levantarse jamás. Durante los últimos años de su vida, vivió dando clases de pintura en una escuela primaria y de una pequeña beca del gobierno. Murió en la casa familiar en la que había pasado su infancia a los 85 años de edad.

Séraphine Louis, también citada por algunos autores como Séraphine de Senlis, nació en Arsy-Oise (Francia) en 1864. Procedente de una familia campesina de muy pocos recursos fue hija de un obrero. La historia de Séraphine parece extraída de una novela costumbrista de podredumbre y desgracias ya que cuando apenas contaba con un año de edad falleció su madre. Su padre volvió a casarse, pero también falleció seis años después. La falta de medios la obligó a trabajar en todo tipo de labores para procurarse sustento. Séraphine era pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro y poseedora de una personalidad misteriosa. Empezó como pastora, más tarde como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia y finalmente como criada en diferentes casas de la preciosa ciudad de Senlis, donde era fácil verla caminar, siempre con prisa, por las antiguas callejuelas que rodean su muralla medieval.

Fue una artista autodidacta ya que nunca recibió ningún tipo de formación como pintora, pero en sus tiempos de pastora pudo encontrar materiales en la naturaleza que mediante un proceso intuitivo comenzó a utilizar mezclándolos con la cera de velas que cogía en la iglesia para realizar sus obras. Posteriormente, cuando trabajó como sirvienta, pudo destinar pequeñas cantidades de su salario para adquirir soportes y pigmentos más convencionales. Sabemos muy poco del drama íntimo y aun menos de sus ideas sobre la representación artística porque ella guardaba con riguroso celo el secreto de su pintura, se escondía para que nadie pudiera observar cuando y como realizaba sus cuadros, cómo mezclaba los colores y preparaba los lienzos; pero es conocido que todo ello lo efectuaba con una gran perfección artesana, fruto de muchas horas de ensayo y corrección.

El árbol de la vida (1928) Museo de Arte de Senlis

Vivió en un recogimiento casi monacal en su pequeña habitación y comenzó a pintar -según decía- por indicación de los ángeles y de la Virgen María. Cuando salía del aislamiento iba a hablar, a abrazar a los árboles y las flores. Pintaba en una especie de trance, como un jardinero místico flamantes ramilletes tras los cuales ocultaba la tentación de todo lo sagrado: plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas que en los que se adivinan ojos. La casualidad quiso que en 1912, cuando trabajaba como sirvienta, una obra fue descubierta por el coleccionista y crítico de arte Wilhelm Uhde – descubridor de Picasso, Braque y Rosseau – que quedó muy sorprendido al enterarse que la autora de la curiosa obra que esta admirando había salido del talento de la invisible mujer que estaba haciendo la limpieza.

Su carrera fue relativamente corta. En 1930, tres años después y bajo la tutela de su protector realizó la primera exposición de Louis, la crítica la calificó dentro de los “modernos primitivos” y su nombre alcanzó importancia como una de las pintoras naïf del momento. Poco tiempo después Uhde dejó de comprar sus pinturas debido a la Gran Depresión ya que, perseguido por la Gestapo, se vio obligado a regresar a Alemania y sus posesiones, incluida su colección de arte, fueron confiscadas por el estado francés.

Probablemente debido a una fuerte depresión, Séraphine Louis ingresó en el área de psiquiatría de un hospital geriátrico de Clermont, pese a su inestabilidad física sobrevivió hasta 1942 en una soledad extrema. Se especula que a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas o más probablemente muriera de hambre por la falta de alimentos que impuso la ocupación alemana de Francia y que fue especialmente letal para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. El pequeño cuerpo de la artista fue enterrado entre anónimos en una fosa común.

Feuilles (1928-29) Coleccion Dina Vierny

De los 200 cuadros que presumiblemente pintó, sólo han sido localizados 70 que pueden admirarse en el Museo de Arte de Maillol (París), el Museo de Arte (Senlis), el Museo de Arte Naif (Niza) y el Centro Georges Pompidou (París).

[p1-yeeet]

Leed aquí plis… El n2 (el que está colgado arriba del árbol) soy yo

Me gustó hacer el otro dibujo, asique voy a hacer una con más personitas UwU

REQUISITOS:

-REBLOGUEAR ESTA PUBLICACIÓN -AL HACER EL REQUISITO ANTERIOR PONER EN LOS COMENTARIOS(? UNA IMAGEN DE TU OC O PERSONAJE QUE QUIERAS QUE DIBUJE JUNTO CON EL NÚMERO QUE QUIERAS (EL 2 NO SE PUEDE) -EL PERSONAJE TIENE QUE ESTAR PINTADO (SI ES DIBUJO TRADICIONAL) Y/O CON LA PALETA DE COLORES (SI ES DIGITAL)

Eso…espero que lo hayáis leído para evitar malentendidos Que comience! >:D Ah! Y antes de terminar…este dibujo tiene hasta plazo 1 semana, si pasa esa semana y no tengo suficientes personajes, voy a pedir un 2ndo personaje a personas que ya están dentro del dibujo… Solo eso…bai UwU💕

[oukkurun]

🔥D E A T H🔥 Este dibujo tiene ya seis meses desde que lo hice, pero nunca lo había pintado. La versión pintada en digital la hizo @fruu.art y la tradicional la pinté ayer. Es el primer dibujo que tiene y cuenta una historia, y uno de mis preferidos :3 El fondo del dibujo lo hice inspirándome en los videojuegos indies FEZ e Hyper light drifter, estos dos son unos de mis juegos favoritos💕 . . . . #oukkurun #drawing #draw #dibujo #arte #artist #instaartist #illustration #ilustración #traditional #traditionalart #digital #digitalart #aesthetic #demon #monster #demongirl #death #sea #monolith #fantastic #vaporwave #vaporwaveaesthetic #vaporwaveart #animeaesthetic #blueaesthetic https://www.instagram.com/p/BtzAGuWg3W4/?utm_source=ig_tumblr_share&igshid=1xdbke0uezr1

[jspookywolfwrites]

Ilustración Digital

La ilustración digital es una forma artística que implementa elementos, técnicas y valores tanto del dibujo, como de la pintura. La ilustración, a diferencia del dibujo o la pintura, tienen aplicaciones comerciales mucho mayores, debido a la practicidad, su complejidad y calidad con la que se realiza tradicionalmente.

Sin embargo, la ilustración digital ha sido creada usando tecnologías informáticas. Por lo cual el ilustrador debe usar computadoras y otros dispositivos electrónicos con herramientas que le permiten dibujar en los softwares que utilizará.

Este reciente tipo de ilustración surge como tal a finales de los años ochenta, cuando Adobe Systems implemento el uso del formato PostScript, el cual traduce los píxeles y vectores en puntos de impresión. El desarrollo de los programas de Adobe Ilustrador, Photoshop y PageMaker y la adopción de los mismos por parte de Apple fue otro de los factores de la propagación de la ilustración digital.

En realidad, la ilustración digital no consiste en corregir una imagen o digitalizar y editar dibujos creados previamente con técnicas gráficas, sino de crear directamente una imagen, y en algunos casos tomando un boceto como punto de partida, en el entorno digital.

En la actualidad, existen varios tipos de ilustración digital, los cuales se pueden identificar por medio de las técnicas y herramientas utilizadas para realizarlas. Entre los diferentes tipos de ilustración digital, se puede mencionar los siguientes:

Ilustraciones Realistas La ilustración realista es considerada como una mezcla entre el arte digital y el arte tradicional, ya que los ilustradores de este tipo usualmente hacen el boceto a mano para luego subirlo al programa de diseño que utilizan.  En ocasiones, algunas de estas ilustraciones pueden ser hasta confundidas con fotografías.

Ilustraciones Vectoriales La ilustración vectorial es una técnica en la cual se crean formas a partir de vectores. Este tipo de ilustración digital es comúnmente encontrado en volantes, vallas publicitarias, logos, etc. Este tipo de ilustración vectorial es realizado mayormente en Adobe Illustrator, ya que provee varias herramientas necesarias al momento de realizar un diseño vectorial.

Cómic Para realizar una ilustración al estilo de un cómic se necesita hacer un boceto, diseño, pintado, impresión, etc. Uno de los métodos más utilizados es el tinteo, lo que vendría a ser las rayas marcadas en los dibujos, creando la ilusión que éste se vea más real. Este tipo de dibujo digital une gran parte de las técnicas tradicionales y vectoriales.

Pixel Art El pixel art es mayormente utilizando en los videojuegos, principalmente en aquellos a finales de los 90’s y comienzos del 2000. Básicamente, consiste en realizar dibujos formados por cuadrados uniformes, de tal modo que esté pixeleado intencionalmente. También, se pueden diseñar algunas imágenes, dándoles una apariencia retro y vintage. Sin embargo, para realizar estos tipos de ilustración digital se debe de tomar en cuenta que se necesita tanto softwares como hardwares, para que los proyectos del diseñador o ilustrador tengan un mejor resultado. Entre estos se pueden mencionar:

• Tableta gráfica o Las tabletas más utilizadas provienen de la marca Wacom, ya que esta empresa también brinda computadoras y pantallas interactivas, como también lápices; sin embargo, hay artistas que utilizan una tableta como el iPad y la app Procreate.

• Softwares o De los softwares más utilizados, se puede mencionar la Suite de Adobe, aunque algunos diseñadores e ilustradores también trabajan con otros softwares como lo son, Paint Tool Sai, Clip Studio, Procreate, etc.

En conclusión, la ilustración digital es una mezcla de técnicas tanto digitales como tradicionales, ya que le da la libertad al ilustrador de poder realizar bocetos a mano para luego digitalizarlo en el software de preferencia. 

[chocomilk-art]

Men!! No esperaba una continuación, pero aquí está y full HD con color y todo jsjs

Me halaga con eso de que soy su musa, pero ver contenido de ellos dos que no es mío para mi es una fuente de inspiración así que me ha dado vida, mi adicción se lo agradece arhe

Esta muy lindo el pintado e igual el lineart ha quedado bien, yo en cambio soy floja para pintar tanto a tradicional como a digital por eso mis dibujos son a blanco y negro en su mayoría, reitero que me encanto mucho.

NOTA: Arriba España y abajo el UK-e !! Porque el Spuk rejuvenece, esto no lo verán ni en la Rosa de Guadalupe ni adaptado a Netflix arhe

Jsjsja bien aquí vengo con una continuación (? No se que wea pero es un intento de cómic fallido del dibujo de España y su toro jsjsja

PD :

El nombre del toro es RU, (abreviación de Reino Unido jsjsja)

Lo de Rafael Humberto solo fue para despistar *inserte España * no contaban con mi astucia ahre

2 PD : @chocomilk-art jsjsja men me dio risa la idea y dije chinguen su madre porque no aplicarla, así que gracias por la idea y la inspiración, eres mi musa, ahre k jsjsja

3 PD :

Perdón el feo pintado jsjsja pero vi que namas pura cosa en blanco y negro subo, así que decidí aplicarle tantito esfuerzo (!, nuevamente perdón los parches blancos y el lineart con lapicero jsjsja pero en la pobreza en la que estamos es lo que hay

Bien dicho esto, CIAO

[kanzaclarag]

MEMORIA DE PINTURA DIGITAL

Kanza Clara Gourmat                                               ILUSTRACIÓN 1

    MEMORIA

En esta memoria hablaré sobre cómo he trabajado mi ilustración, he creado mis pinceles, mis herramientas y mis paletas de colores y como con todo esto he podido aprender a manejar un poco mejor Photoshop.

INDICE 

La memoria se divide en varias partes.

0. Escaneado

1. Creación de pinceles         

2. Creación de herramientas

3. Creación de Paletas de colores

4. Pintura digital

5. Fusion de texturas

6. Explicación de problemas técnicos.

0.ESCANEADO

Para empezar con todo, primero tuve que separar el grafito del papel. Para ello, escaseamos el dibujo a 1200 y lo introduje en Photoshop, una vez hecho seleccioné los pixeles con la varita mágica y separé grafito y el papel. Hice una copia del dibujo para poder borrar el fondo blanco y trabajar sobre ella. Al final, en ajustes y niveles le aumenté un poco los colores negros y los blancos. Una vez finalizada este paso ya pude transcurrir con los pinceles, herramientas y paleta de color.

1. CREACIÓN DE PINCELES

Primero  creé una carpeta “EJER-1 PINTURA DIGITAL INFORMATICA” para clasificar todos los Pinceles y las Paletas de color

GRAFITO

  Para la explicación de la creación de estos cinco pi celes tengo que decir que en todos he utilizado la misma técnica explicada en clase, por lo tanto algunos de los pinceles no tienen una explicación , sino que solo digo los cambios que les hice brevemente.

También es pura coincidencia que algunos sean tan similares, ya que para in tentar que pareciesen grafitos de verdad he tenido que usar mismos elementos entre los pinceles.

01- A este pincel le ajuste la dinamitar de forma, la dispersión y le añade que fuese rotando cada vez que dibujara para darle un toque con más textura.

02- le cambié la variación del ángulo.

Los grafitos 03-04 y 05 no han sido modificados después de crearlos.

TIZA

Para crear estos pinceles, escoge 4 imágenes de google fotos con texturas de tiza

Incrustaba la fotografía de la textura a un formato de Photoshop, con la varita mágica seleccionaba los pixeles que quería, seguidamente lo invertía y borraba el fondo. Una vez hecho esto, con el bote de pintura y una opacidad al 30% lo rellenaba y lo convertía en valor de pincel.

Estos pinceles fueron los que más fáciles me resultaron de hacer ya que a la primera ya se quedaban con la textura que yo quería para mí ilustración.

Hice todos los pinceles con los mismos pasos.

ACUARELA

Con cada uno de los pinceles los he exportado en PNG y en blanco y negro y los he añadido a la carpeta “pinceles acuarela—->imágenes”, después he seleccionado en photoshop todos los pinceles, los he exportado a mi ordenador y los he añadido a la carpeta “pinceles”.

-01- PINCEL ACUARELA PRUEBA 3 PUNTAS: 

abrÍ un documento en blanco de 200x200 , en ese documento en blanco hice tres puntos y recorté la foto hasta los bordes, a continuación convertí en pincel esas tres puntas.

-02 PINCEL  ACUARELA PRUEBA DESHILACHADO:  

Entre a “textures.com" y descargué una imagen (adjunto debajo del texto) entré a photoshop, abrí esa imagen y la recorté de forma rectangular, seguidamente la convertí en pincel y empecé a ajustar el pincel: en “dispersión” le subí la cantidad a un 8 en “textura” le bajé el contraste y le subí el brillo. Finalicé guardandolo en la carpeta “pinceles”.

-03 PINCEL ACUARELA PRUEBA:

Entré nuevamente en la pagina “textures.com" y descargué una imagen de una puerta de metal. La abrí en photoshop y la recorté del tamaño que me interesaba , a continuación, con la varita mágica seleccione los bordes que quería  para mi pincel. Para finalizar, fui a “imagen” y 

“ajustes—> tono/saturación” para bajarle la tonalidad de negro, una vez hecho define el valor de pincel y lo guardé en mi carpeta de pruebas.

-04-PINCEL ACUARELA  RAYADO:

Esta vez para poder crear este pincel, busqué en google fotos imágenes de pintura ya puesta en papel y la descargué. Esa imagen la subí a photoshop en la cual con la herramienta recortar y varita mágica seleccionaría el contorno de la mancha. En ajustes “tono/saturación” ajustaría su balance de negro y finalmente lo convertí en valor de pincel.

-05 PINCEL ACUARELA PUNTA REDONDA: hice los mismos pasos que el pincel anterior.

2. CREACION DE HERRAMIENTAS

 He creado cinco cuentagotas. Para crearlas en Photoshop fui a tamaño de muestra, cambié el promedio y lo añadí a buen agotas. Una vez ya tenia todos los guardé y los exporté.

01- 101 x 101

02 -31x31

03 -5x5

04- 11x11

05- 3x3

3. CREACIÓN DE PALETAS DE COLOR

Para poder crear mis tres paletas de colores para los diferentes usos (1. Fondo, 2. Perfil, 3. Relleno) entré a adobe Kuler - extraer imagen- abrí una imagen que escogí de Pinterest- guardar- ir a biblioteca y descargar imagen- abrirla en photoshop con “muestras de colores—> cargar muestras” y una vez elegidas descargarlas en “guardar muestras” en eco. Con estos pasos pude crear mis paletas de colores que después cargaría en Photoshop para poder utilizarlas.

Una vez tenia elegida mi paleta de color, comencé a crear carpetas de capas para el fondo, el dibujo y el relleno. Aún no manejo muy bien la tableta gráfica, además de que no pude finalizar el dibujo en clase y como no tenia Tab lata gráfica para poder trabajar en casa tuve que utilizar recursos para que la ilustración tuviera un acabado decente.

Para poder guiarme más fácil con las herramientas de photoshop he pintado como si estuviera en un tradicional (a lineas) y también he utilizado el bote de pintura.

4. PINTURA DIGITAL.

-Para la linea: He utilizado los pin celes de tiza y colores negros y grises

he utilizado los pinceles más gordos para el fondo y el cubo de pintura para rellenar. También pinceles de grafito, pastel y tiza para la persona. 

-Relleno de figura: Sobretodo utilicé pinceles de grafito y acuarela con un tamaño mediano y una opacidad al 28% 

-Fondo: Con ayuda de la varita mágica seleccionaba las partes que quería y las rellenaba con el cubo de pintura. Además de 

 5. FUSIÓN DE TEXTURAS

Creé otra carpeta en Capas con el nombre “Fusiones” donde estarían las tres fotografías de texturas que añadiría a la imagen.

Textura de Oleo: la fusioné con la pierna de la mujer, le bajé la opacidad a un 68% y puse el modo de fusión a “Color más oscuro”.

Textura de Papel 01: La puse como si fuera el suelo donde se apoyaba la silla, le bajé la opacidad a un 59% y el modo fusión en “superponer”.

Textura de Papel 02: La puse de fondo detrás de la mujer, le bajé la opacidad a un 60% y el modo de fusión en “subexposición lineal”

Utilicé estas tres diferentes fusiones de texturas porque cada una me aportaba un color diferente a la ilustración, la del óleo es más oscura, la del papel 01 más clara y la del papel 02 mas oscura en diferentes sitios como si fueran sombras.

Y por fin para finalizar la ilustración, puse guardar como y la guardé como ILU1 - KanzaClara- PINT DIGIT 1. Comprimí la carpeta donde con tiene todo y la enviaré por WETRANSFER.

6. EXPLICACIÓN  SOBRE LOS PROBLEMAS TÉCNICOS

Como he dicho antes, me ha dificultado bastante no tener tableta gráfica, a penas se usarla y trabajar con ella era un constante sufrimiento para pintar y averiguar con que iba mejor. Para el próximo trabajo espero poder mejorar esto y así que me salga mejor.

[coffeecenizaaplinn]

Vi algunos de sus dibujos ¡Usted debe enseñarme a pintar así en tradicional! Adoro dibujar el Lineart pero para pintado soy una kk :'v

Ajsjsjsjsjs ❤ u ❤~💕💜💞💕Ay me enamoran tus palabras gosh :''''''''UTe enseñaría sino fuera tan mala profesora xDxdxd (además soy novata v':)Yo quiero aprender a dibujar en digital 3 jssjs

[yanadibujantem344-blog]

Un dibujo de Zelda hecho en tradicional y pintado en digital (^O^)v

[summerayito]

Esto si que es arte del bueno uwu👌 ¿ saben lo mejor ? Que ayudarle y seguirla @giovis-p es copletamente gratis sin precio alguno, no se van a arrepentir >:39

Como la conozco hace tiempo puedo decir en general que su estilo me encanta, al rededor de 2-3 años que lleva dibujando ha mejorado bastante, la anatomía, el pintado, el lineart delgado ( sigo sin saber cómo lo hace y le queda hermoso >:u9) o aveces un dibujo sin línea que queda igual de espectacular. Se nota la gran cantidad de esfuerzo en crear un estilo original y un pintado uniforme, la experiementacion y el esfuerzo se notan a simple visita.

꒰—En su arte digital; Destaca mucho el pintado, los degradados son impecables y los diferentes contrastes que utiliza al momento de trabajar me encantan, las luces son aplicadas muy bien. Me encanta el efecto “escarcha” que logra hacer en algunos dibujos ( *o*). Respecto a la anatomía es muy linda, se ve correcta en muchos aspecto, si bien giovis tiene bastantes estilos me gusta mucho el semirralista por el esfuerzo que conlleva y el resultado que obtiene. Los ojos son hermosos, ays los amo qoq ✨💚😔

꒰—En su arte tradicional; De igual manera aquí se nota el esfuerzo, me exacta como logra difuminar todos los colores para que se vean uniformes, utiliza mucho la teoría del color para seleccionar los colores que utilizará para sombras y luces. En acuarela es bellísimo, utiliza las anteriores técnicas y aveces aplica colores para obtener un mejor resultado. ¿Han visto sus pinturas? Son bellísimas:’) 💚✨✨💚💖💚

No es obligación seguir la cadena, pero se les agradecería hacer crecer a una artista como ella. Amika date cuenta

@atomicrial

@kyami-chu

@l4-r4t4

@erixhope

@valshans-blogworld

@meryfoxblog

@artists-support

@ariscastleart

Hola! Bueno, como sabran nuestra amiga @giovis-p esta mal por que piensa que sus dibujos no son buenos, y se que muchos no pensamos así, así que he creado este post con varios de sus dibujos para que todos apreciemos el maravilloso talento que tiene uwu

Ahora les diré que me encanta de su estilo :

Digital :

Dios no se que decir, simplemente creo que es un estilo hermoso, es como se mi realista? Realmente no sé describirlo, ver como mezcla los colores me parece mágico, y los ojos! Dios su forma de pintar ojos la amo! Y me encantaría dibujar los labios tan bellos como los hace ella

Tradicional

Pues sulo miren el sticker de canelita! Es arte puro, vez puntos blancos?? Vez los rallones del crayón? No! Simplemente fantástico señores

Me encantaria que escribieran las cosas que les gusta de su estilo y que rebloguen esto uwu, ella merece mucho apoyo con su maravilloso talento!

@summerays6

@rexlverseart

@samy275

Por favor compartan y etiqueten para que mas gente le dé amor a giovis!

[carloserikmalpicaflores]

Carlos Malpica Flores: Estas Navidades, libros de todos los gustos para todos los públicos – Descubrir el Arte, la revista líder de arte en español

Las editoriales Bruño y Anaya se suman a las celebraciones del Bicentenario del Museo Nacional del Prado con dos libros que acercan al público infantil la colección de la pinacoteca. Por otra parte, la ilustradora Nuria Díaz recrea el universo creativo del cineasta Wes Andersen (Lunwerg). E Infinito Books presenta Aura, el último fotolibro de David Jiménez

El Prado para niños

16 cuadros muy, muy importantes del Museo del Prado de Óscar Muinelo y Violeta Monreal (editorial Bruño) propone un recorrido por obras imprescindibles de la pinacoteca nacional, desde Las meninas de Velázquez, Los fusilamientos de Goya, El paso de la laguna Estigia de Patinir o el Retrato de Isabel de Valois, pintado por una de las tres únicas pintoras representadas en su colección, Sofonisba Anguisola, un detalle importante cuando se trata de educar en igualdad a niñas y niños.

Portada de libro 16 cuadros muy, muy importantes del Museo del Prado. Arriba, ilustración de Nuria Díaz del libro El Gran Hotel de Wes Anderson.

Dirigido al público infantil (a partir de 6 años), en este libro hay datos curiosos sobre cada una de las obras y sus autores. Además en cada doble página hay escondidos cinco objetos que aparecen en los cuadros y que los más pequeños tendrán que descubrir. Las obras elegidas están actualmente expuestas en el Museo del Prado y el orden de aparición es cronológico. Al final del libro se muestra una Galería de tamaños en la que se aprecian los distintos formatos y tamaños de las obras.

Óscar Muinelo es especialista en la difusión del arte y autor del libro 16 pintores muy, muy importantes. Violeta Monreal es escritora y una reconocida ilustradora. Ha creado una técnica conocida como dibujo con “papel rasgado”, que se distingue porque define las formas, los ambientes y las composiciones con trozos de papel.

Portada del libro Un paseo por el Museo del Prado.

También dirigido al público infantil (de 8 a 12 años), Un paseo por el Museo del Prado y Mi primer libro del Museo del Prado de Ana Alonso e ilustraciones de Ximena Maier (editorial Anaya), el propio museo narra su historia, habla de sus obras y de sus autores: “Llevo en esta ciudad dos siglos, desde 1819. Seguramente estás pensando que soy muy muy viejo, pero yo me siento joven. Doscientos años no es tanto tiempo para un edificio. ¡Ay, perdón! ¿Había olvidado comentar que soy un edificio? Pero no un edificio cualquiera… Soy un museo. Uno de los más importantes del mundo: el Museo del Prado. (O simplemente ‘El Prado’ para los amigos.)”

Portada del libro Mi primer libro sobre el Museo del Prado.

En sus páginas, el lector conocerá obras como La Anunciación de Fra Angelico, El descendimiento de Van der Weyden, Adan y Eva de Durero, Pentecostés del Greco, Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano, Las tres Gracias de Rubens o La familia de Carlos IV de Goya. Además, la editorial ha publicado Cuadernos de actividades para la lectura.

El gran hotel de Wes Anderson

Wes Anderson quería ser escritor. Todas las ilustraciones de Nuria Díaz.

Wesley Mortimer Anderson (Houston, 1969) empezó a rodar con ocho años pequeñas películas mudas con la cámara de Súper 8 de su padre con actores que eran sus propios hermanos y vecinos. En el colegio también escribía y dirigía sus propias obras de teatro. De formación autodidacta (estudio filosofía), sus referentes cinematográficos fueron la Nouvelle vague francesa y directores como François Truffaut, Orson Welles, Alfred Hitchcock o Stanley Kubrick.

Viaje a Darjeeling.

Ya en la universidad, junto a su amigo Owen Wilson, realizó su primer cortometraje, Bottle Rocket, que se presentó en Sundance 1993, a partir de ahí, la filmografía de Anderson no paró de crecer, con obras que ya son considerados de culto como Los Tenenbaums (2001), Fantástico Sr. Fox (2009), Moonrise Kingdom (2012), El Gran Hotel Budapest (2014) o Isla de perros (2018), lo que le han convertido en uno de los cineastas más importantes e interesantes del panorama cinematográfico actual y que destaca por su cuidada estética naíf, su peculiar manera de componer la imagen y por unos personajes desarraigados y disfuncionales, a medio camino entre lo absurdo y lo entrañable.

Moonrise Kingdom.

Ahora el libro El Gran Hotel de Wes Anderson (Lunwerg editores) ofrece al lector un recorrido por la vida del cineasta norteamericano y también por los temas, personajes y escenarios de su filmografía y lo hace a través de los dibujos de la ilustradora Nuria Díaz (Vilagarcía de Arousa, 1982), que ha sabido captar magistralmente el universo creativo de Anderson. La artista, que se mueve cómodamente entre el dibujo tradicional y lo digital, explica en la introducción que cuando vio Moonrise Kingdom se quedó prendada de esta película, que es como un cuento perfectamente narrado, de sus imágenes y personajes y que deseaba dibujarlo todo. Un deseo que se ha hecho realidad.

El Gran Hotel de Wes Anderson, Nuria Díaz (ilustradora), Lunwerg Editores, Barcelona, 2018, 200 págs., 22,50 €.

Aura: imágenes oníricas de la India

David Jiménez, autor de Infinito, publicado en 2000 y que está considerado como una obra de referencia en el panorama del fotolibro español contemporáneo, y de versus, que vio la luz en 2014 de la mano de la editorial RM, ha publicado su tercer fotolibro, Aura (Infinito Books). Este nuevo título es la continuación natural de esos trabajos, y representa al mismo tiempo un punto y aparte en su producción.

En Aura, el carácter onírico de las imágenes se intensifica, también lo hace la conexión de carácter mágico entre las imágenes, y el conjunto adquiere movimiento y agitación, al ritmo de una danza ininterrumpida. Las imágenes de este trabajo han sido realizadas en la India en los últimos diez años, aunque el autor ha viajado allí en nueve ocasiones, la primera de ellas en 1995.

El proyecto estuvo entre los ocho nominados al Prix Elysée en la edición de 2016-17, y tras pasar por diferentes versiones, finalmente se realizó el libro gracias al apoyo del programa de ayudas a la creación del Ayuntamiento de Madrid en 2018.

El fundamento del trabajo de este autor reside sobre todo en la intuición de que aquello que llamamos realidad esconde un entramado de relaciones complejas que escapan al pensamiento racional. Su propósito es recrear metafóricamente esa secreta red de conexiones a través de un universo de imágenes cargadas de claves ocultas. Se produce una disolución de las referencias literales, invitando al observador a la construcción de una nueva sintaxis. Para lograrlo se juega con los límites de la percepción y del sentido, buscando un efecto hipnótico, y un grado preciso de ambigüedad que favorezca mutaciones del significado, una suerte de transformación alquímica.

Aura también contiene varias imágenes autorreferenciales; en algunos momentos podremos contemplar a alguien que mira el libro dentro del propio libro. Otro aspecto destacable del trabajo es la presencia de algunos elementos reconocibles que se repiten con variaciones creando una cadencia, como pájaros en vuelo que moldean diversas formas en el vacío, sombras con un movimiento ondulante o patrones de luz sobre un negro profundo, generando una ambigüedad siempre presente que nos invita a dudar si estamos viendo o imaginando.

Aura, Infinito Books, 2018. Fotografía, diseño y concepto: David Jiménez. Cartoné, impreso en cuatritono BN, 32,8 x 23,8 cm (vertical),126 págs., edición de 1.500 ejemplares, 42 €

Esta última reseña: La Rueda Distribución

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[maxi3dcp]

Dibujo Tradicional + Digital art.

Pintado y coloreado en Photoshop.

[luisdemen]

Mercedes-Benz presenta el showcar EQ Silver Arrow con ocasión de la muestra Monterey Car Week, que se celebrará del 18 al 26 de agosto de 2018 en Pebble Beach (California). Este certamen atrae a expertos y coleccionistas de automóviles de todo el mundo. El monoplaza EQ Silver Arrow no es solo un prototipo futurista, sino también un homenaje al célebre bólido de competición W125 del año 1937. La pintura en plata Alubeam recuerda a los históricos Flechas de Plata, que en su día tuvieron que desprenderse de la pintura blanca por motivos de peso. En el interior predominan materiales tradicionales de alta calidad como cuero, aluminio cepillado y madera de raíz de nogal. El puesto de conducción digital, en cambio, nos traslada directamente al futuro con su pantalla panorámica curva con técnica de retroproyección y la pantalla táctil integrada en el volante.

«Hace ya más de 80 años, los históricos Flechas de Plata convirtieron a Mercedes-Benz en el estandarte de la alta velocidad. Esto se debía, entre otros factores, a su silueta aerodinámica», afirma Gorden Wagener, Chief Design Officer de Daimler AG. «El showcar EQ Silver Arrow enlaza con esta tradición. Concebido para disfrutar de sus briosas cotas de aceleración, este vehículo encarna el concepto de lujo avanzado y presenta un anticipo del futuro de nuestro diseño. De ese modo, el showcar se convierte en la máxima expresión del lenguaje formal de nuestra nueva marca de productos y tecnología EQ.»

La marca EQ cobra forma con una estética independiente y vanguardista, recogida en el término lujo avanzado. Este canon resulta de la interacción entre una belleza sin precedentes, la yuxtaposición consciente de elementos digitales y analógicos y la transición continua entre el diseño intuitivo y el diseño físico.

Silueta exterior deportiva

El lenguaje formal del EQ Silver Arrow, caracterizado por sus líneas nítidas y fluidas, se deriva de la aplicación consecuente de la filosofía de diseño de la marca, que gira en torno a la claridad sensual. La estilizada silueta de este monoplaza de 5,30 metros de longitud y un metro de anchura, aproximadamente, resulta esbelta y al mismo tiempo turgente.

La carrocería del prototipo se fabrica en fibra de carbono. La pintura multicapa en plata Alubeam la reviste como si fuera metal líquido. Este concepto refleja los dos polos contrapuestos del diseño, y es al mismo tiempo «hot» (caliente) y «cool» (frío). Las piezas adosadas funcionales realizadas en fibra de carbono, como el splitter frontal, reflejan la vertiente fría y racional de esta filosofía. Es el caso, también, del panel frontal con función de visualizador, y de la banda luminosa continua en la parte delantera. La banda luminosa se repite como rasgo de diseño en los faldones laterales. El logotipo EQ de formato grande, integrado a modo de bajorrelieve, por delante de las ruedas traseras, está iluminado en azul, el color distintivo de la nueva marca.

Otros elementos destacados son la cabina del conductor, que puede abrirse hacia delante, y las ruedas con llantas multirradio, en parte al descubierto. Los tapacubos estáticos y las cubiertas parciales son otros elementos estilísticos innovadores de las ruedas. Los 168 radios de cada llanta son de aluminio ligero pintado en dorado rosa, tonalidad característica del EQ.

El EQ Silver Arrow calza neumáticos lisos de tipo slick en formato 255/25 R 24 (eje delantero) y 305/25 R 26 (eje trasero), que garantizan altas cotas de tracción y aceleración. El dibujo de estrellas de la superficie de rodadura, realizado en colaboración con el proveedor de neumáticos Pirelli, demuestra un gran amor al detalle.

El difusor trasero es una reminiscencia del automovilismo de competición. Dos spoilers traseros extensibles asumen además la función de freno aerodinámico, aumentando la resistencia al aire cuando se desea decelerar.

Interior de diseño tradicional y moderno

El interior del EQ Silver Arrow representa los valores del lujo avanzado. El lenguaje formal combina una estética intemporal con una visión futurista.

Al abrir la cabina del conductor hacia delante, se despliega ante la vista un habitáculo sorprendentemente espacioso. Su principal rasgo característico es el contraste. Por un lado, materiales tradicionales de alta calidad como cuero auténtico en marrón ecuestre en el asiento y el volante, aluminio cepillado en todo el habitáculo y madera auténtica de raíz de nogal con líneas más oscuras de madera de conífera en el suelo. Estos elementos constituyen el nexo de unión con los bólidos de carreras históricos de la era de los Flecha de Plata. Por otro lado, modernas soluciones de alta tecnología que manifiestan el carácter visionario típico del EQ, como la amplia superficie de proyección de la pantalla panorámica, e innovadoras experiencias de usuario, como la posibilidad de competir en carreras virtuales (ver más abajo). Este contraste responde a la voluntad de fusionar pasado y futuro.

La banqueta y el respaldo presentan un original patrón con estrellas pespunteadas grabadas al láser que se adapta al contorno del asiento. En el asiento se ha integrado la calefacción AIRSCARF para la zona de la nuca. Un cinturón de seguridad cuatro puntos de anclaje inspirado en el automovilismo deportivo retiene al conductor en su asiento. Los pedales se pueden adaptar individualmente a la estatura del conductor mediante un regulador situado junto al asiento.

El interior de las paredes laterales está revestido de exquisito ante de color gris, a juego con la pintura exterior en plata Alubeam.

Pantalla doble y carreras virtuales

El conductor del EQ Silver Arrow se encuentra rodeado por una gran pantalla panorámica, en la que se proyectan imágenes tridimensionales con ayuda de un proyector instalado detrás. Una función que permite adivinar cómo podrían ser las tecnologías de carga del futuro es la visualización en la pantalla del carril de la calzada en el que se es posible la carga por inducción.

Técnicas de inteligencia artificial hacen posible competir con Flechas de Plata históricos o actuales. A tal efecto, la pantalla panorámica visualiza un circuito de carreras virtual en el tramo real, y el conductor ve a su rival imaginario por delante o por detrás. La función de asistencia «Virtual Race Coach» ayuda a mejorar la aptitud del conductor al volante, emitiendo indicaciones durante la carrera.

El volante incorpora además una pantalla táctil, con la cual el conductor puede seleccionar programas con distintos patrones de conducción, como Comfort, Sport y Sport+. También se pueden configurar los ajustes de sonido. Entre otras opciones se puede elegir el sonido de un Flecha de Plata de Fórmula 1 actual y el de un motor Mercedes-AMG V8.

Propulsión exenta de emisiones

El EQ Silver Arrow ha sido concebido como vehículo eléctrico. La potencia de este Flecha de Plata silencioso es de 550 kW (750 CV). La batería plana ubicada en los bajos tiene una capacidad útil de aprox. 80 kWh, y posibilita una autonomía estimada de más de 400 km según el WLTP. Para refrigerar la batería se han practicado ranuras de ventilación a los lados.

Prototipos EQ: proyecciones del futuro de la electromovilidad en todos los segmentos

El Concept EQA presentado por Mercedes‑Benz en el Salón Internacional del Automóvil IAA de Fráncfort en 2017 demuestra que es posible transferir la estrategia EQ a la categoría compacta. Este modelo está equipado con dos motores eléctricos —uno en el eje delantero y otro en el eje trasero— que entregan una potencia combinada de más de 200 kW. Esto permite variar la distribución de par de la tracción integral permanente, otorgando mayor prioridad a las ruedas delanteras o a las traseras, y modificar de ese modo las propiedades de conducción del vehículo. El Concept EQA muestra el programa de conducción seleccionado en su singular parrilla virtual.

El smart vision EQ fortwo, presentado también en la IAA de 2017, refleja una visión autónoma de la movilidad eléctrica con miras a un tráfico de cercanías de alta eficiencia y flexibilidad. Este prototipo de conducción autónoma y propulsión eléctrica encarna un concepto consecuente de la movilidad urbana y el carsharing del futuro. El vehículo recoge a los pasajeros en el lugar deseado y prescinde de volante y pedales.

El Concept EQ, presentado en el Salón del Automóvil de París en 2016, fue el primer precursor de la nueva marca de productos y tecnología EQ. Se trataba de un prototipo con la fisonomía de un SUV Coupé deportivo, que anticipaba numerosos elementos del Mercedes-Benz EQC que saldrá al mercado en 2019.

Fuente de inspiración: el plusmarquista mundial de 1937

El arquetipo del EQ Silver Arrow es el modelo de competición de doce cilindros W125 producido por Mercedes-Benz en 1937 basándose en el bólido de carreras de Fórmula 1.

La nueva carrocería creada por Mercedes-Benz en 1937 incorporaba elementos importantes de la industria aeronáutica. Por recomendación de los departamentos de desarrollo de las fábricas de aviones de Ernst Heinkel y Willy Messerschmitt, se acortó el voladizo delantero y se configuró un frontal más redondeado. Además, se prolongó el frontal hacia abajo y se eligió un ángulo más erguido en la punta. Con estas medidas es posible contrarrestar las fuerzas ascensionales sobre el eje delantero. La zaga más alargada y erguida reducía asimismo las fuerzas ascendentes en el eje trasero. Uno de los rasgos más marcados del bólido, que ha servido de inspiración a los diseñadores del EQ Silver Arrow, era el acristalamiento del puesto de conducción, cuyo contorno y sección imitaban la forma de una gota de agua.

Al volante de este vehículo, Rudolf Caracciola alcanzó en la autopista A5 entre Fráncfort y Darmstadt una velocidad de 432,7 km/h, calculada como promedio del trayecto de ida y el de vuelta. Este récord de velocidad en las vías públicas se mantuvo vigente hasta noviembre de 2017.

EQ Silver Arrow: un sugestivo anticipo del diseño del futuro Mercedes-Benz presenta el showcar EQ Silver Arrow con ocasión de la muestra Monterey Car Week, que se celebrará del 18 al 26 de agosto de 2018 en Pebble Beach (California).

[notstopingluca]

Necesitaba hacerlo, es taaaaan linda <3 Es de esas personas que por alguna razón, sabiendo que si habla español, siempre le comento en inglés. No sé, rarezas mías ;_; Por cierto, no me decidia si subir el original o pintado en digital, asi que a la mierda, subi los dos 😂😂😂😂😂😂🌹 🌹 Bella @dreachie 🌹 #digital #tradicional #dibujo #fanart #dreachie #Clases #PorEsoTeQuedas #NoMamesSalioLindo #pink #sepia

[silvertamiko]

So far, lo que he aprendido en el Instituto es: -Un dibujo es malo solo si no tiene una razón de ser -Composicion en el espacio -Odiaras y amaras la tinta china -La perspectiva con 1, 2 y 3 puntos de fuga -Tienes que investigar antes de hacer un encargo -Las vanguardias del arte separaron al artista de la realidad, de la epoca clasica donde todo debia ser matematico y perfecto. -¡Non serviam! -Los colores complementarios son perfectos para darle profundidad a la sombra -Digital es mas limpio, Tradicional es mas vivo -Existe mas dinamismo si usas formas para los personajes -Trabajar con un modelo vivo ayuda -Color key y Color script te ayudan a crear un sentimiento -La bencina blanca recupera los pigmentos en una hoja donde se ha pintado mucho, ayuda a difuminar los policromos tambien -Un Ilustrador debe ser puntual, talentoso y simpatico. Si uno tiene al menos dos de esos tres puntos, tiene mas posibilidad de ser contratado -Para ojos de un profesor, es mejor sacarse una nota baja por un trabajo mal logrado a sacar la nota mas baja por no hacerlo/entregarlo -Ayuda al squad y el squad the ayudara -Trabajar con distintas personas esta bien, pero una vez identifiques a los que no aportan en los trabajos, no te arriesgues mas. -Una cosa es el ilustrador y otra la persona, no te amargues si otro ilustrador es mejor que tu siendo mala persona/buena persona mal ilustrador -Haz lo que te diga el profesor. No lo hagas como tu quieras, haz caso y sigue lo que te pidieron -El mundo de la ilustracion y arte funciona por gancho; alguien tendra un dato para ti y te dara gancho para adentrarte mas a la comunidad, luego tu seras quien pueda dar gancho -El ilustrador contratado no siempre es el que dibuje mas realista; es quien haga caso a lo que se pide. -Se amable, acepta que aun tienes mucho que aprender -Ordena tus tiempos para hacer los trabajos, podras tener tiempo libre si lo haces.